Las 20 mejores películas de detectives de todos los tiempos

En un género repleto de grandeza, quizá el único misterio sea lo que no ha entrado en la lista.

En el caso de los dramas policíacos, ¿qué es lo primero que nos atrae? ¿Tal vez las personalidades de los que observamos, cómo resuelven estos casos? No todos son tipos secos y rutinarios que no pueden aportar un poco de entusiasmo a los procedimientos, aunque siempre hay que asegurarse de hacer el trabajo. ¿O tal vez sea la naturaleza de las propias investigaciones? Es lógico que haya algunos giros en cada uno de ellos, sobre todo a efectos de la narrativa popular. Nos dejamos absorber por cada nueva pista, una pista falsa y posiblemente nuevas víctimas, y esperamos que todo conduzca a un desenlace satisfactorio.

Desde los humeantes salones del cine negro de los años 40 hasta los misterios de asesinatos, tanto reales como ficticios, un sinfín de historias de detectives han dejado su huella en el cine. Ya sea por el carismático protagonista, por la enrevesada narrativa o por ambas cosas, estas 20 películas son sólo una pequeña parte de este gran género, pero representan lo mejor de lo mejor. Aquí está la opinión de Screen Rant sobre las 20 mejores películas de detectives de todos los tiempos.

20. La chica del dragón tatuado (2011)

Pocas historias de detectives son tan brutalmente aberrantes como La chica del dragón tatuado, de Stieg Larsson, y por eso quizá era más que apropiado que David Fincher dirigiera la adaptación inglesa. El material que se le da a Fincher es sombrío, lo que ciertamente no le es ajeno, y su visión, tal y como la ha presentado en trabajos anteriores (que trataremos en breve), encaja bastante bien con el tono de la novela y su ambientación.

Por supuesto, es fácil destacar la magnífica interpretación de Rooney Mara como la investigadora Lisbeth Salander, que brilla en la típica atmósfera sombría que ha creado Fincher. Pero quizás lo que más destaca es el ritmo rápido de Fincher. Puede que su película dure poco más de dos horas y media, pero la dirección de la mayoría de las películas de detectives debería parecer más segura y académica. En este caso, Fincher guía hábilmente al público a través de la enrevesada narración con la suficiente rapidez como para entretenerlo, pero mostrando moderación con respecto a los detalles clave.

19. Harry el Sucio (1971)

Si lo piensas, no hay muchas cualidades notables que distingan al Harry Callahan de Clint Eastwood de su Hombre sin Nombre en la trilogía de Dólares de Sergio Leone; sólo hay que cambiar el western y la habitual pistola de seis tiros por trajes y una magnum del 44 que puede volarte la cabeza. Incluso en el tiroteo final con Scorpion, las estructuras ruinosas y las montañas desoladas se parecen mucho a cualquier terreno que Eastwood conociera a mediados de los años 60.

Sin embargo, el Harry el Sucio interpretado por Eastwood es el consumado tipo duro estoico; es rutinario pero nada llamativo, y sus métodos poco ortodoxos son genuinos. Eastwood lo interpreta con sencillez, su conducta y sus gestos son directos, y sin embargo el personaje sigue siendo sorprendentemente enigmático. Como es lógico, la película se ha convertido en una franquicia que ha dado lugar a cuatro secuelas a lo largo de dos décadas. El único aspecto desagradable de la historia de la película ha sido la epidemia de citas erróneas de líneas.

18. El hombre delgado (1934)

En una lista de personalidades arquetípicas y poco convencionales, estos dos detectives de Charles, Nick (William Powell) y Nora (Myrna Loy), se encuentran en el límite entre uno y otro. Por un lado, ambos, especialmente Nick, ejemplifican cómo debe presentarse un actor carismático de Hollywood. Como muchos actores de su época, Charles Powell es tranquilo, frío, sereno, y lleva una autoridad tácita que puede ser llevada a un alto volumen, uno físico si es necesario. Por otro lado, los dos son lo suficientemente humorísticos e ingeniosos como para romper estas convenciones y mantenerse firmes. Además, son borrachos normales, pero como este era el código de Hollywood de Hayes, parece elegante.

El momento decisivo en cualquier misterio de asesinato es el descubrimiento del misterio, y la escena culminante de la cena en El hombre delgado tiene una tensa y lenta progresión hacia la revelación de la identidad del verdadero asesino. Los sospechosos se apiñan alrededor de la mesa, la cámara se mueve de un lado a otro entre cada uno de ellos y Nick mientras éste relata brevemente los hechos que los incriminan a todos. El verdadero asesino podría ser cualquiera, y cuando se revela, es enormemente satisfactorio.

17. Insomnio (2002)

Christopher Nola ha desarrollado una reputación como director con una visión única, especialmente para proyectos más allá de la trilogía del Caballero Oscuro. Por ello, se une a David Fincher como director con varias películas en esta lista, empezando por la que le valió Batman: Inception: Insomnia.

Muchas de las películas de esta lista destacan de una manera u otra, pero Insomnia es particularmente única en un aspecto. Como veremos, se distingue del resto no sólo por su carácter psicológico -aunque la mayoría de las otras películas aquí presentes no pueden presumir de tales cualidades- sino más bien por la ambigüedad moral de su protagonista. Teniendo en cuenta algunos de los otros detectives, el detective Will Dormer (Al Pacino) no es un santo, aunque su personaje encuentra la redención en los últimos actos. Sin embargo, deseamos desesperadamente que vuelva al lado de la ley gracias a la sólida interpretación de Robin Williams como Walter Finch, el principal antagonista.

16. Quién incriminó a Roger Rabbit (1988)

Roger Rabbit es potencialmente uno de los últimos mamíferos parlantes de ficción de los que se espera que cometan un crimen deliberadamente, y sin embargo se encuentra en el centro de una historia de «codicia, sexo y asesinato», como dice Eddie Valiant (Bob Hoskins). En Quién engañó a Roger Rabbit, el director Robert Zemeckis y compañía crearon una innovadora mezcla de acción real y animación que dio al público un mundo tangible para sus personajes favoritos, como Mickey Mouse y Bugs Bunny. Sin embargo, para ser justos, la película es mucho más inteligente que aquella en la que el personaje animado es acusado de asesinato.

Más importante que cualquier investigación es el arco del personaje de Valiant. Hoskins muestra una actuación admirable, dado que gran parte de sus diálogos hablan de algo que no es, y como resultado la subtrama sobre la venganza por el asesinato de su hermano a manos de un sádico toon se vuelve mucho más apasionante. Dicho esto, lo que es igualmente encomiable es la apuesta de la película por los momentos oscuros, incluso inquietantes, para expresar la madurez, dado su propósito de película familiar.

15. Un beso al vuelo (2005)

Más recientemente, Shane Black utilizó la peculiar historia del Hollywood de los 70 como parte de la narrativa en Goodfellas, pero en Kiss, Kiss, Bang, Bang se burla por completo de la producción cinematográfica tradicional y de la cultura de la industria del cine, al tiempo que crea un misterio decente en el proceso. El enfoque aquí es la comedia, ya que Harry (Robert Downey Jr) y Perry (Val Kilmer) juegan el uno contra el otro con un toque de broma que los convierte en una pareja encantadoramente extraña.

Aunque ciertas estéticas y temas no pueden escapar a la pluma satírica de Black, su carta de amor al cine negro se siente más como un pastiche que como una parodia, y su forma de hacer el amor desprende auténtico garbo. Los visuales, a veces fríos, acerados y azulados, son un enfoque interesante y llamativo de lo que podría interpretarse como la atmósfera cínica del cine negro, por lo que en ese sentido las convenciones se modernizan. En definitiva, si te gustó Goodfellas, entonces Kiss, Kiss, Blast será digna de tu atención.

14. Zodiaco (2007)

La identidad del asesino del Zodiaco es uno de los mayores y más inquietantes misterios de Estados Unidos, como lo fue para Inglaterra la identidad de Jack el Destripador. Aunque, al igual que Out of Hell, Zodiac de David Fincher parece tener sus propias ideas sobre quién fue el autor, aunque el caso nunca se resuelve del todo. Dejando de lado las especulaciones, Fincher sabe tejer un buen hilo, y gracias al guión de James Vanderbilt basado en el libro homónimo de Robert Graysmith, Zodiac es otra de sus películas en esta lista.

A menudo se subestima la tensión de la película, especialmente cuando el asesino Zodiac no intenta darse a conocer. Pero cuando se le ve y se le oye en la pantalla, la tensión aumenta hasta un grado insoportable. Como si no pudiera sumergirse más en este torbellino, el diseño de producción es magnífico y los efectos visuales tienen una calidad ligeramente sobresaturada que aumenta la sensación de sincronización.

13. Ladrillo (2005)

La estelar película indie de Rian Johnson, Brick, es una de esas películas que parecen un sueño. No es un sueño en el sentido visual, sino más bien a través de los diálogos, la caracterización y los acontecimientos que tienen lugar. Para los que se imaginan a sí mismos como detectives al estilo de Humphrey Bogart, así es como Brendan Frye (Joseph Gordon-Levitt) se conduce en lo que sólo puede describirse como la visión fantástica del mundo de Johnson dentro del neo-noir. Es una carta de amor que tiene todo lo que tienen los clásicos.

Pero todo se debe a la actuación tranquila y segura de Gordon-Levitt como el improbable héroe. Lo que le falta para controlar la situación lo compensa con confianza y perseverancia. Durante escenas como su primer encuentro con Dode (Noah Segan) o incluso su reunión con el subdirector Truman (Richard Roundtree), capta inmediatamente tu atención con una convicción medida. Luego hay momentos como la ejecución de Dodé y la reacción de shock de Brendan ante ella, y aunque la realidad parece entrar en juego, sigue saliendo del otro lado de la misma fantasía.

12. Secretos de Los Ángeles (1997)

El cine negro no necesita la atmósfera humeante y con poca luz de la que hablábamos antes, ni los detectives de sangre fría que se adentran en los sórdidos entresijos de la sociedad. Como la película LA Confidential nos recordó hace casi dos décadas, la brutalidad puede ser incontrolable y la violencia puede ser desenfrenada. Además, en un género que nos dio duros investigadores privados como Jack Nicholson en Chinatown o cualquiera de los personajes similares de Humphrey Bogart en los años 40, es estupendo ver un equipo convincente en Guy Pearce y Russell Crowe, que eran relativamente desconocidos en el momento del estreno de la película.

Como muchas grandes historias de detectives, la trama de la película es compleja, llena de episodios secundarios y personajes pintorescos, y aunque el material de L.A. Confidential es bastante enrevesado, sigue siendo hipnótico en su descripción de la corrupción policial. El público moderno puede incluso encontrar que sus representaciones del racismo sistémico y los prejuicios generales en el sistema de justicia reflejan con precisión los problemas actuales de la época.

11 El tercer hombre (1949).

Muchos han elogiado El tercer hombre, de Carol Reed, por su cinematografía atmosférica, y ¿cómo podría ser si no con el telón de fondo de la magnífica Viena? La Viena de la posguerra parece un escenario oportuno para la mentalidad del vaso medio vacío que llena todo el cine negro. La película de Reed es tan ambiciosa y grandiosa como el escenario, pero no siempre es atmosférica en el sentido tradicional del cine negro. El camarógrafo Robert Crasker utiliza a menudo ángulos dramáticos y oblicuos para crear una sensación de inquietud parecida a algo más estándar para el género.

Además de las extraordinarias interpretaciones de la mayor parte del reparto principal, incluidos Joseph Cotton, Orson Welles y Alida Valli, la partitura de Anton Karas es sin duda algo especial. A primera vista, su estruendosa guitarra acústica no se corresponde con los momentos de tensión que pretende enfatizar, pero mantiene eficazmente el tono abrumador de la película, planteando preguntas al público.

10. Chinatown (1974)

Parece que las interpretaciones más modernizadas del cine negro -en este caso, todo lo que va desde la era del Nuevo Hollywood hasta la actualidad- se volvieron cada vez más desagradables a medida que pasaba el tiempo y se suavizaban las restricciones sobre lo que podía y no podía mostrarse en el cine. Puede que «Chinatown» no sea tan violenta como las películas posteriores, pero no era necesario. Casi todo en la película grita antipatía, lo que sin duda está muy lejos del mero cinismo.

Una buena parte de esto viene de la interpretación de Jack Nicholson del investigador privado Jake Gittes, que parece el frío cálculo de Guy Pearce, que interpretó a Ed Exley en LA Confidential, y como una versión disminuida del sórdido Russell Crowe que interpretó a Bud White en la misma película. Pero gran parte de la asquerosidad se debe al tema del incesto, que habría sido difícil de tratar en el Hollywood de la época del Códice Hayes: la mayoría no se atrevería a tocar el final que el director Roman Polanski fue capaz de hacer.

9. En una noche sureña sin alma (1967)

Pocas películas, o las personas que están detrás de ellas, podrían haber sido tan valientes como En el calor de la noche. La novela homónima de John Ball fue increíblemente oportuna, ya que se publicó en el momento álgido del movimiento por los derechos civiles, y la versión cinematográfica estrenada sólo dos años después fue igual de oportuna. Como resultado, la película se convirtió en una de las más significativas estrenadas en la década de 1960, en un momento en el que Hollywood se estaba deshaciendo de sus arcaicos códigos morales.

Ya sea en En medio de la noche o en Adivina quién viene a cenar, Sidney Poitier siempre se encontraba en el centro de estas discusiones, y no sin razón. Su poder y carisma como el detective de policía Virgil Tibbs es fascinante, especialmente cuando se enfrenta, verbal y físicamente, para sorpresa de muchos, al racismo de la América blanca, que, a decir verdad, forma una parte decente de esta película.

8. Blade Runner (1982)

Blade Runner, de Ridley Scott, lleva décadas desconcertando e hipnotizando al público, y es comprensible que la reacción inicial no fuera tan positiva como lo es hoy. Con el paso del tiempo, han surgido nuevas perspectivas y, como resultado, se ha arrojado nueva luz sobre los temas existenciales y filosóficos de la película y su distintivo sabor neo-noir.

Como muchas otras películas de este o de otros géneros, Blade Runner lleva su cinismo en la manga, y su discreta iluminación refuerza ese tono. Sin embargo, la iluminación aquí es curiosa, ya que sirve para más de un propósito. La visión del futuro de Ridley encaja perfectamente con la ciencia ficción postapocalíptica, y el uso del claroscuro hace que el alcance y la escala épica de la película sean más monolíticos y, por tanto, más sobrecogedores, complementando el aspecto ciertamente poco manejable de la película. La ambigüedad del final contiene su propia pesadez, filosóficamente hablando, y parece una solución más apropiada para una película de cine negro.

7. Laura (1944)

Se ha dicho mucho, pero una perspectiva cínica es un requisito previo para el cine negro, aunque ciertamente no el único. En la Laura de Otto Preminger, sin embargo, esto no es tan pronunciado, al menos no tanto como en algunos de sus contemporáneos. El pesimismo, por supuesto, se desarrolla a medida que avanza la trama y termina con un final sombrío, como muchas películas de este tipo. El comienzo de la película es curioso, ya que los personajes se encuentran en medio de una investigación sin tener idea del crimen que se ha cometido.

Además, el tono de la película se asemeja a un panegírico, lo cual es bastante plausible dado que gran parte de la narración en esta parte se realiza a través de flashbacks. Esta atmósfera parece un poco en desacuerdo con las tradiciones del género, pero hacia el final de «Laura» se convierte en algo más familiar. El fuerte trabajo actoral hace de «Laura» uno de los principales clásicos del género.

6. Recordar (2000)

En Memento, de Christopher Nolan, la ambigüedad moral de la que hablamos antes en Insomnia florece en todo su esplendor, y es lo que primero llamó la atención del director. Además, la amnesia anterógrada de nuestro protagonista (el Leonard Shelby de Guy Pearce) hace que este tema sea aún más inquietante. Pero por muy inquietante que sea su condición, su falta de fiabilidad como protagonista y narrador hace que su viaje sea aún más fascinante.

La singular estructura narrativa de Nolan, en la que se invierte el presente y se reproduce el pasado en orden cronológico, ofrece al espectador una peculiar visión del estado psicológico del hombre. Y aunque el comienzo de la película, cargado de emoción, puede justificar su inocencia, seguimos enganchados porque nos damos cuenta de que el verdadero misterio no es quién violó y mató a su mujer, sino cómo llegó al «final» de la película. Es un tipo de neo-noir que despliega cuidadosamente su cinismo profundamente oculto a lo largo de la narración, en lugar de mostrarlo explícitamente a través de las imágenes visuales y/o la caracterización.

Para las mentes inquietas, la edición de coleccionista de dos discos de Memento incluye la película en orden inverso.

5. El Gran Lebowski (1998)

Se trata de una historia policíaca de comedia negra neo-noir post-occidental, y es completamente psicótica – o al menos los hermanos Coen lo eran. Desde su estreno en 1998, El Gran Lebowski ha entretenido a universitarios y drogadictos, matando a menudo dos pájaros de un tiro. Esas especificidades de género mencionadas anteriormente se pasan por alto en su mayor parte cuando se introduce la película, pero dado lo bien que funcionan los punteros con el material de los hermanos Coen, se le podría perdonar que se limitara a ver unos pocos momentos.

Muchas de las personalidades asociadas a las películas de esta lista resultan simpáticas debido a sus diversas formas de frialdad que se ajustan a las nociones tradicionales de masculinidad. Probablemente sea una suposición, pero el Dandy (Jeff Bridges) no es de los que se preocupan mucho por cómo se presentan. Sólo es el Dandy, y eso es todo lo complicado que tiene que ser. Sin embargo, los Coen lo complacen amablemente lanzándolo en medio de una divertida y desconcertante historia de ficción absurda.

4. Vértigo (1958)

Hay muchas películas famosas con el nombre de Alfred Hitchcock, pero Vértigo es posiblemente una de sus mejores películas. La película comienza con un golpe espectacular cuando Scotty Ferguson (James Stewart) ve cómo su compañero policía cae muerto al intentar salvarle de colgarse de una cornisa, y aunque la película se vuelve más psicológica a partir de este momento, nunca pierde su conmoción. Gracias a la afición de Hitchcock por los giros inesperados y el engaño de los personajes, la narración se mantiene tan ajustada como todas sus composiciones de planos.

La película de Hitchcock es un ejemplo de cómo el misterio o la investigación juegan un papel secundario frente a la relación que se construye entre los dos personajes, y lo que es tan fascinante como la narración de Hitchcock son las teorías sobre sus temas. Muchos sostienen que, indirectamente, o tal vez explícitamente, Vértigo habla del control masculino de las imágenes visuales en relación con la feminidad y la masculinidad y, por tanto, pone en tela de juicio la percepción masculina dominante de ambas. Vértigo, pues, es una película progresista para su época.

3. Siete (1995)

David Fincher es uno de esos directores cuyo trabajo se espera con impaciencia y se discute sin cesar, y después de la infame Alien 3, se hizo realmente presente en la industria con Seven, un sensacional misterio sobre víctimas asesinadas en base a los siete pecados capitales. Hay mucho que celebrar en la película de Fincher: por ejemplo, su visión dura y sin concesiones del crimen y su brillante uso de la idea de que lo más aterrador no es lo que se ve, sino lo que se imagina. Por no hablar del duro final, que quita toda esperanza.

A menudo se elogia a los dos protagonistas, Morgan Freeman y Brad Pitt, individualmente, pero quizás no se habla tanto de su asociación en la pantalla. Gracias a una convincente e intencionada falta de química entre ellos como personajes, es fácil identificar la química entre ellos como actores. Aunque seguimos al detective Somerset (Freeman) y le admiramos por sus maneras reflexivas y tranquilamente dominantes, la investigación psicológica de Mills (Pitt) se convierte en una narración secundaria independiente que tiene un gran impacto en el final.

2. El silencio de los corderos (1991)

El silencio de los corderos, de Jonathan Demme, es una película bastante singular. Por un lado, se trata de una auténtica historia de detectives sobre la aprendiz del FBI Clarice Starling (Jodie Foster) a la caza de un loco asesino en serie apodado Buffalo Bill (Ted Levin). Por otro lado, esta película trata igualmente de la relación de Starling con el Dr. Hannibal Lecter (Anthony Hopkins) y de los numerosos juegos psicológicos de dominación que éste realiza con ella mientras colabora en su caso. En muchos sentidos, la persecución de Buffalo Bill por parte de Starling parece secundaria, como el misterio de James Stewart en Vértigo.

Sin embargo, el guión se mantiene totalmente centrado, incluso cuando se dedica mucho tiempo a la huida de Hannibal de su prisión. La investigación en sí puede parecer secundaria a todo lo demás, pero aún así se nos muestra a Bill y toda su inquietante locura, incluyendo algunas líneas extrañamente citables (no te preocupes, Lecter también tiene su parte). También nos atrapa por igual la persecución de sus dos personalidades conflictivas; comparado con el Buffalo Bill de espíritu libre de Levin, el Lecter de Hopkins es más sutil, aunque a veces improvisa.

1. El halcón maltés (1941)

Ninguna lista de películas de detectives estaría completa sin al menos una participación de Humphrey Bogart, y ¿qué mejor película para proclamar su grandeza que El halcón maltés? Se podría argumentar que Casablanca es su mejor película, incluido este autor, pero junto con el clásico High Sierra, El halcón maltés es la película en la que realmente se afirmó como la próxima gran estrella de Hollywood. Todos los estereotipos de detectives duros del cine negro se han basado en papeles similares que él ha interpretado, especialmente su interpretación de Sam Spade en la novela de Dashiell Hammett del mismo nombre.

Pero, por supuesto, la película no es sólo sobre Bogey; Mary Astor y Peter Lorre también interpretaron sus fenomenales papeles. Cada habitación con luz tenue para aumentar la tensión y cada ángulo dramático de los personajes sentados y hablando para jugar con la percepción de poder del público. Nadie copia y pega una estética si no es por su grandeza, y El halcón maltés es un ejemplo perfecto.